El lugar donde sucede la magia del cine

Los directores y los actores necesitan uno o varios lugares donde realizar las escenas, estos son los llamados set de filmación. El set, también llamado en español “plató”, puede ser un lugar real como una casa o una confitería, un lugar formado por un conjunto de elementos distribuidos por todo el espacio disponible o simplemente una pantalla verde colocada detrás de los actores.
Los lugares más comunes para filmar una película o una serie de televisión suelen ser casas espaciosas, restaurantes, locales e, incluso, la calle. Por otro lado, el director tiene la opción de formar él mismo el set, incorporando elementos y paredes de cartón en un espacio cerrado y amplio. Finalmente, existe la pantalla verde, una nueva técnica utilizada por muchos directores en estos últimos años. En este caso, el actor solo debe pararse delante de una cámara y decir sus líneas, posteriormente, se desarrollan efectos especiales con la ayuda de una computadora.
La pantalla verde es el método más utilizado ya que es el más barato; el director no debe gastar dinero y tiempo en colocar los elementos donde los desea o arreglar una escena orientando a los protagonistas y a los actores secundarios. Solo necesita la tecnología adecuada y un grupo de expertos dispuestos a estar horas creando y digitalizando las escenas.
En un set de filmación se encuentran los actores frente a las cámaras, que pueden constar de un camarógrafo o no. En muchas películas de acción o de alto riesgo, se utilizan cámaras sostenidas por una plataforma móvil para poder seguir de una forma más rápida las acciones de los protagonistas, sin poner en peligro la vida del camarógrafo. Asimismo, se encuentra el director con una pequeña pantalla delante que le permite ver cómo su trabajo está tomando forma. Este es quien da las indicaciones a los actores: dónde deben pararse en el set y cómo deben llevar a cabo sus líneas. También está la presencia de maquilladores y vestuaristas que se encargan de retocar la apariencia de los actores entre las escenas.
En la mayoría de las películas se incluye una pequeña parte que muestra el proceso de creación de la película. Los directores dejan que los espectadores vean cómo se produjo la misma, y estos disfrutan del material extra presentado.

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El cinematógrafo

Fue el padre de Louis y Auguste Lumiere, Antoine, quien despertó el interés a sus hijos después de ver el Kinetoscopio de Edison (cuyo mecanismo era accionado por un motor eléctrico, uvo su primer prototipo hacia el final del verano de 1892 y estaba conformado por un armario de madera vertical de cuatro pies de alto con una mirilla en la parte superior. Las lentes de aumento en la mirilla ampliaban la película que estaba dispuesta alrededor de una serie de carretes).
Con la Fábrica Lumiére de soporte técnico, ya que fabricaban artículos fotográficos, los hermanos se pusieron a trabajar diseñando una cámara y un proyector. Los primeros experimentos llevados a cabo por los Hermanos Lumiére se basaron en el mecanismo intermitente utilizado en las máquinas de coser.
El 13 de febrero de 1895, Louis y Auguste patentaron el Cinématographe (Cinematógrafo en su versión castellanizada) a su nombre.
El Cinematógrafo combinó una cámara para grabar el movimiento, una impresora y, al conectarse a una linterna o fuente de luz, un proyector. Aproximadamente del mismo tamaño que una cámara fotográfica normal de mano, el Cinematógrafo difería del Kinetoscopio de muchas maneras, especialmente por su tamaño y peso.
El Kinetograph, la cámara de Edison, fue confinado, en general, al Estudio “Black Maria” en los terrenos del Laboratorio de Edison, en contraste con él, el Cinematógrafo no tenía tales limitaciones y podía ser utilizado en casi cualquier lugar gracias a su diseño ligero. Además, a favor del Cinematógrafo se encontraba su método de presentación y la combinación de todos los elementos básicos necesarios para grabar y proyectar imágenes en movimiento en una sola caja.
Al igual que Edison, los Lumiéres utilizaron película de 35 mm, pero a diferencia de ellos, Edison optó por una velocidad de 46 fps en comparación con los 66 fps elegidos por los hermanos.
Además, los Lumiéres fueron rápidos para patentar su Cinematógrafo en el extranjero (el hecho de que Edison no lo hiciera en Gran Bretaña, por ejemplo, causó la proliferación de las copias hechas por Robert Paul). Para promover su nueva invención Auguste Lumiere planeó un programa de publicidad inteligente de varias proyecciones privadas que generaron mucho interés público y especulación antes de su inauguración oficial el 28 de diciembre de 1895 en el Grand Café en el bulevar de París Des Capucines.

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Los musicales: de Broadway a Hollywood

Las películas en formato musical son muy frecuentes en Hollywoood, a lo largo de la historia los personajes muestran sus sentimientos mediante la música. Una de las películas musicales más reconocida es “Mamma Mia! “, estrenada en 2008 y.
Protagonizada por Meryl Streep y Amanda Seyfried. Narra la historia de una joven que desea casarse y ansía que su padre la conduzca al altar, el problema es que no sabe quién es su padre y debe averiguarlo antes de la boda. Las canciones presentes a lo largo de la película pertenecen al famoso grupo de cuatro miembros surgido en 1970 llamado Abba.
En ese mismo año, se estrenó “Sweeney Todd: el barbero diabólico de la calle Fleet”, este fue otro musical de la pantalla grande, dirigido y producido por Tim Burton y protagonizado por su esposa, Elena Border Carter y Johnny Depp. Esta película se centra en un hombre que busca venganza por la muerte de su esposa a cualquier precio. La música de esta película estuvo inspirada en la obra de Stephen Sondheim, quién se encargó de la composición de las canciones. La banda sonora tiene un tinte melancólico y lento, a diferencia de las canciones de Abba que eran alegres y permitía a los protagonistas bailar durante toda la cinta.
En 2007, los espectadores se revolucionaron ante la llegada de una obra de teatro famosa pero en forma de película: “Hairspray”. Esta gira en torno a una chica cuya pasión es cantar y busca un lugar en Hollywood. Permanecieron las mismas canciones del musical de Broadway y fue protagonizada por John Travolta y Michelle Pfeiffer.
Yendo un poco atrás en el tiempo, en 2002, “Chicago” fue otra famosa obra de teatro transformada en película que se estrenó en el cine y lideró las taquillas. Protagonizada por Catherine Zeta Jones y Renée Zellweger, esta película narra la historia de dos mujeres perversas que desean ser famosas pero deben cumplir su condena en la cárcel primero. El célebre compositor, Daniel Elfman, fue la persona que creó la banda sonora de “Chicago”, la cual tenía una mezcla de canciones animadas para bailar y algunas melancólicas.
En 2001, “Moulin Rouge” irrumpió en el cine con el protagonismo de Nicole Kidman, quien interpretó a una joven que buscaba un lugar en el mundo de la actuación y, a la vez, se veía sumergida en un triángulo amoroso del cual no podía salir. Las canciones eran románticas y fue Craig Armstrong su compositor.
Las películas nombradas aquí son tan solo un par de las más famosas, ya que la mayoría de los musicales fueron una gran revelación cuando llegaron al cine. Los productores de Hollywood, al ver que las obras musicales iban creciendo cada vez más, decidieron llevarlas a la pantalla grande para que los amantes del cine también disfrutaran de estas historias.

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Uno de los géneros importantes del cine: el thriller

La palabra thriller, en el cine, se utiliza para denominar a películas de suspenso e intriga. Este tipo de películas son muy populares entre los fanáticos del cine y suelen estar en el puesto más alto en el ranking de los géneros favoritos de los espectadores. Las películas pertenecientes a este género tienen a los espectadores atentos hasta el final, con una sensación de tensión durante el transcurso de la historia. Es llamado thriller, en los países hispanohablantes sobre todo, porque deriva de la palabra “thrill”, que en inglés significa estremecer.
Una de las películas más clásicas de este género es “Sexto sentido”, en la cual un psicólogo trata de ayudar a un niño a controlar y tener conocimiento sobre los poderes sobrenaturales que posee. Esta historia se estrenó hace ya más de una década pero sigue siendo famosa y es vista por nuevas generaciones.
Otra película que se estrenó hace mucho tiempo y sigue siendo vista por los espectadores hoy en día es “El efecto mariposa”, que narra la historia de un joven que puede revivir momentos del pasado y, así, cambiar el futuro. En ambas películas al espectador le cuesta darse cuenta qué esta sucediendo y esto lo mantiene con intriga hasta el desenlace de la historia.
Otros ejemplos son “Los otros” y “El laberinto del fauno”, a diferencia de las anteriores, estas están relacionadas con el cine de terror y, en este caso, se busca intrigar y asustar a los espectadores al mismo tiempo.
“El juego del miedo” y “Hannibal” también son películas clásicas de este género, se agrega al miedo y la intriga el factor de violencia extrema. En ambos casos se muestran escenas muy sangrientas, no aptas para todo público.
“El secreto de sus ojos” es la película argentina más icónica del thriller de nuestra industria cinematográfica. Esta sigue la historia de un detective que debe resolver un asesinato, este tipo de historias son muy comunes en este género.
Estos son algunos ejemplos de los clásicos aunque, la mayoría de las películas de este género son emblemáticas. Como he descrito, el género thriller fue evolucionando a lo largo de los años; esto fue gracias al adelanto de la tecnología en el cine que permitió colocar cada vez más efectos especiales y, al mismo tiempo, hacerlos más realistas. El thriller es uno de los géneros más preferidos porque abarca tanto el terror, la intriga y la ciencia ficción en una sola historia.

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Los primeros años de Quentin Tarantino

Conocido por sus impredecibles y violentas películas, Quentin Tarantino ganó fama por Pulp Fiction (Tiemposviolentos), antes de dirigir clásicos modernos como “Bastardos sin gloria” y “Django Sin Cadenas”.
Nacido en Tennessee en 1963, Quentin Tarantino se trasladó a California con su familia a los 4 años. Su amor por las películas lo llevó a obtener un trabajo en una tienda de videos, durante la cual escribió los guiones de Romance Verdadero y Asesinos por Naturaleza. El debut como director de Tarantino fue con Perros de la calle, de 1992, pero recibió una gran aceptación crítica y comercial con Pulp Fiction (1994), por la que ganó un Premio de la Academia al mejor guión. Otros filmes dirigidos por él incluyen a Jackie Brown (1997), Kill Bill: Vol. 1 (2003) y vol. 2 (2004) y Grindhouse: DeathProof (2007). Tarantino ganó varias nominaciones de premios para Bastardos sin gloria (2009) y Django Sin Cadenas (2012), esta última le valió un segundo Oscar al mejor guión.
Quentin Tarantino nació el 27 de marzo de 1963, en Knoxville, Tennessee. Es el único hijo de Connie McHugh, que es de ascendencia en parte Cherokee y parte irlandesa, y el actor Tony Tarantino, que dejó la familia antes de que naciera Quentin.
Trasladándose a California a la edad de 4 años, Tarantino desarrolló su amor por las películas a una edad temprana. Uno de sus primeros recuerdos es que su abuela lo llevó a ver una película de John Wayne. A Tarantino también le gustaba imaginar y contar cuentos, pero mostró su creatividad de maneras inusuales. “Me escribía historias del Día de la Madre, donde siempre me mataba y me decía lo mal que se sentía al respecto”, dijo Connie una vez a Entertainment Weekly. “Eso es más que suficiente para hacer llorar a una madre. ” Tarantino odiaba la escuela, eligiendo pasar su tiempo viendo películas o leyendo cómics en vez de estudiar. La única asignatura que le atraía era Historia. “En Historia me iba genial, porque era como las películas”, dijo en una entrevista. Después de abandonar la escuela secundaria, Tarantino trabajó como acomodador en un cine para adultos por un tiempo. También tomó clases de actuación hasta que consiguió un trabajo en Video Archives en Manhattan Beach, California. Allí trabajó con Roger Avary, quien compartió su pasión por el cine. Los dos incluso trabajaron juntos en algunas ideas de guión.

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La estatuilla dorada más importante de Hollywood

Los Premios Oscar, también llamados Premios de la Academia, se entregan todos los años en el mes de febrero en la ciudad de Los Angeles. Son transmitidos en la mayoría de los países del mundo y son considerados los premios más importantes de Estados Unidos.
Las películas nominadas a estos premios suelen ser las que lideraron las taquillas en el año anterior o las más votadas y amadas por los espectadores. Estos premios se dividen en varias categorías y se nomina entre cinco y seis películas por cada una. Las categorías se dividen en: mejor director; mejor actor y actriz; mejor actor y actriz de reparto; mejor película de animación; mejor guion; mejor película extranjera; mejor corto; mejor banda sonora y mejor película. Esta última categoría es nombrada al final del evento y es el premio más importante de la noche.
Entre las películas ganadoras del Oscar a lo largo de los años se encuentran: “El precio del perdón” como mejor corto, “James Bond” como mejor banda sonora, “Intensamente” como mejor película de animación, “La habitación” como mejor guion, “El secreto de sus ojos” como mejor película extranjera y “Mad Max” como mejor película. Por otro lado, muchos actores y actrices ganaron premios por su arduo trabajo y con una carrera consagrada en el ámbito cinematográfico; entre ellos se encuentran Kate Winslet, Leonardo Di Caprio, Matthew Mcconaughey, Jack Nicholson, Meryl Streep, Julia Roberts, Jennifer Lawrence y Jean Penn. Para todos los actores que alguna vez ganaron un Oscar, este premio fue bien merecido por su gran dedicación al cine y por su impecable actuación.
Repasando un poco la historia, los Premios Oscar son una de las primeras ceremonias de premios que se llevó a cabo por primera vez en 1929. Según varias fuentes, fue otorgado el nombre “Oscar” en honor al esposo de la creadora de estos premios aunque hay rumores varios sobre el origen del nombre.
En el 2017 se llevará a cabo la entrega número 88 de estos prestigiosos premios y en enero se revelarán los nominados, aunque ya hay varias películas elegidas por el público como “La la land”, “Manchester junto al mar” y “Moonlight”.
Los ganadores se sienten afortunados al recibir esta conmemoración y ratifican que sus trabajos dieron frutos. A estos se les entrega una estatuilla con su nombre impreso en una placa permitiéndoles exponerla ante sus círculos más cercanos.

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Paseo de la fama en Hollywood

El Paseo de la Fama de Hollywood consta de más de 2. 500 estrellas de cinco puntas realizadas en terrazo y latón incrustadas en las aceras a lo largo de 15 cuadras de Hollywood Boulevard y a tres cuadras de Vine Street en Hollywood, California. Las estrellas son monumentos públicos permanentes para que buscan conmemorar los logros alcanzados en la industria del entretenimiento, con los nombres de una mezcla de actores, músicos, directores, productores, gruposmusicales y teatrales, personajes ficticios y otros. El Paseo de la Fama es administrado por la Cámara de Comercio de Hollywood y mantenido y autofinanciado por el Fondo Común de Hollywood. Es un destino turístico popular, un total de 10 millones de visitantes pasaron por estas aceras sólo en el año 2003.
El paseo de la fama tiene una longitud de 2, 1 kilómetros de este a oeste en Hollywood Boulevard, de Gower Street a La Brea Avenue, además de un segmento corto de Marshfield Way que corre diagonalmente entre Hollywood y La Brea; Y 0, 4 km de norte a sur en Vine Street entre Yucca Street y Sunset Boulevard. Según un informe de 2003 de la firma de estudios de mercado NPO Plog Research, el Paseo atrae a cerca de 10 millones de visitantes al año, esto es más que Sunset Strip, el Teatro Chino TCL (anteriormente Grauman’s), el Queen Mary y el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, jugando un papel importante promover el turismo en Los Ángeles.
Desde el 23 de enero de 2017, la caminata consta de 2. 600 estrellas, espaciadas a intervalos de 1, 8 metros. Las baldosas son de terrazzo coralino con estrallas de cinco puntas con borde de latón incrustado en un fondo de color carbón. En la parte superior de cada campo de la estrella el nombre del homenajeado es embutido en letras de molde de cobre amarillo. Debajo de la inscripción, en la mitad inferior del campo estelar, un emblema de latón con incrustaciones redondas indica la categoría de las contribuciones del homenajeado. Los emblemas simbolizan cinco categorías dentro de la industria del entretenimiento:
• Cámara de película clásica: representa imágenes en movimiento.
• Receptor de televisión: representa televisión.
• Grabación fonográfica: representa la grabación de audio o música.
• Micrófono de radio: representa radio.
• Máscaras de comedia / tragedia: representa teatro / actuación en directo (añadida en 1984).
De todas las estrellas en el Paseo hasta la fecha, el 47% ha sido otorgado en la categoría de películas, 24% en televisión, 17% en grabación de audio, 10% en radio y menos del 2% en la categoría de performance en vivo. Aproximadamente 20 nuevas estrellas se añaden a la caminata cada año.

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Las 10 productoras cinemátograficas más grandes de Hollywood

Allá lejos y hace tiempo, en la llamada Edad de Oro de Hollywood, desde finales de la década de 1920 hasta mediados de la década de 1940, la industria cinematográfica operaba bajo el sistema de estudios integrales. Esto significa que un puñado de compañías controlaba prácticamente todo el proceso de producción cinematográfica, desde la producción hasta la distribución y la exhibición. Había entonces ocho estudios, cinco de ellos con conglomerados de filmación totalmente integrados y que contaban con estudios de producción, un equipo de personas creativas bajo contratos exclusivos a largo plazo, una división de distribución y una amplia red de cadenas de cine. Estos cinco estudios eran 20th Century Fox, Loew’s Incorporated / MGM, Paramount Pictures, RKO Radio Pictures y Warner Bros. Había otras tres compañías que eran consideradas como grandes estudios, a saber Universal Pictures, Columbia Pictures y United Artists, aunque poseían cadenas de cines sustancialmente más pequeñas.
Estos llegaron a su fin en 1948, cuando la Corte Suprema de Justicia Estadounidense promulgó diversas leyes antifideicomiso y antimonopolio. De esta manera, hubo que separar el proceso de producción de la distribución y la exposición.
Sin embargo, el término sistema de estudio se está utilizando nuevamente como referencia a las iniciativas y actividades de las diferentes empresas. Las compañías de producción financian la realización de películas y gestionan los recursos y mano de obra necesaria para volver realidad todos los proyectos.
De los diez mayores estudios de Hollywood al día de hoy, los seis primeros se consideran los estudios principales, mientras que los cuatro últimos, junto con Relativity Media y Dreamworks Animation, son considerados como “mini-majors” que compiten directamente con los mayores, aunque también a veces trabajan juntos, recibiendo ayuda con la distribución tanto en el mercado local como en el extranjero.
Estos 10 estudios principales son: Dreamworks, MGM, The Weinstein Company, Lions Gate Entertainment, Viacom, News Corporation, Comcast/General Electric, The Walt Disney, Time Warner, Sony. De estos estudios surgen las películas más grandes, más vistas y con mayores recaudaciones de todo el mundo.

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10 curiosidades de las películas más taquilleras

A los amantes del cine siempre nos gusta conocer un poco más sobre las películas que vemos en el cine o en la pantalla chica. A continuación expondré 10 curiosidades sobre películas de animación, de superhéroes y de acción amadas por los espectadores.
1. Por un lado, desde que Disney se apoderó de los derechos de algunas películas de Marvel, es la productora que lidera las taquillas hace dos décadas. Otra curiosidad relacionada a Marvel es que, debido al aniversario número 75 Capitán América, se fabricará una estatua de él para colocar en el centro de Nueva York.
2. El protagonista de las primera películas de “Spiderman”, Tobey Maguire, sufría de una severa escoliosis pero lo ocultó para poder filmar él mismo las escenas de alto riesgo.
3. A Jennifer Lawrence, para su papel de Mystic en “X-men”, le llenaron todo el cuerpo con una pintura permanente y tardó días en poder sacarla por completo.
4. Por otro lado existen algunas curiosidades sobre películas animadas como “Toy Story”, en esta película el dinosaurio llamado Rexno existía en un principio hasta que los productores decidieron agregarlo como referencia a “Jurassic Park” ya que era una película muy famosa en ese momento.
5. En todas las películas de Disney se pueden ver, detrás de los personajes o en lugares escondidos, la cara de Mickey Mouse por todos lados.
6. Con respecto a las películas de acción, “Rocky” fue la primera película que protagonizó Silverter Stallone y que lo llevó a ser uno de los actores más conocidos de Hollywood. Este fue el responsable del guion y la dirección de la película, lo único que necesitaba era un actor que se ajustara al papel; al no encontrar a ninguno adecuado, decidió ser el protagonista.
7. La mayoría de las escenas en las películas de “Rápido y furiosos” y de “Batman” son de alto riesgo, tal es el caso que varios camarógrafos resultaron heridos en la filmación.
8. En escena de guerra de la película “Troya” solo seis actores eran de carne y hueso ya que estos luego se duplicaron mediante técnicas de edición.
9. En la escena que transcurre en una ducha en “Psicosis” se utilizó una mezcla de chocolate con agua para simular la sangre.
10. Michelle Rodriguez tuvo que obtener la licencia de conducir para la saga de “Rápidos y furiosos”.
Estas son algunas curiosidades expuestas por directores, guionistas, productores, y hasta los propios actores ya que saben que los espectadores disfrutan conociendo más sobre sus películas favoritas.

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Toda película necesita algún tipo de extra

Todas las películas tienen algún extra a lo largo de la cinta, algunas más que otras. Los extras son personas que aparecen detrás de los actores principales y, por lo general, no tienen ningún diálogo con ellos o tienen muy pocas líneas marcadas en el guion. Muchos actores de Hollywood que hoy son famosos comenzaron siendo extras en alguna película, hasta que fueron ascendiendo y se convirtieron en grandes actores. Matt Damon, Sylvester Stallone y Clint Eastwood son algunos actores que comenzaron como extras y ahora son iconos de Hollywood.
En algunos casos estos extras también se los denomina actores secundarios. Estos tipos de actores suelen abundar en escenas de guerras, bares, peleas callejeras, viajes, ceremonias, etc.
Hay cuatro tipos de extras:
Normales: son los personajes que se encuentran en el fondo del plano y no tienen diálogos con los actores.
Fijos: son personajes que aparecen permanentemente detrás de los actores a lo largo de la película.
Especiales: son personajes que aparecen en escenas importantes y tienen algún tipo de interacción con los actores principales.
Con frases: son personajes que tienen líneas largas e importantes o tienen algún tipo de interacción con los protagonistas.
Este tipo de trabajos no es estable, algunas cintas pueden querer determinado actor como extra y otras no, tampoco pueden vivir de ese trabajo ya que el sueldo no es suficiente. Los extras que ganan más dinero son los que tienen alguna frase o interactúan con los protagonistas.
Los directores de cine no buscan que los extras tengan muchas características determinadas como los protagonistas, sino que buscan personas que encajen con el perfil que necesitan.
En algunas ocasiones, los extras son personas que simplemente pasan por el set de filmación, como en escenas que transcurren en la calle, pero en su mayoría suelen ser personas convocadas por directores y productores. Las personas a cargo de las películas ya no suelen filmar personas de forma espontánea en el set ya que estas no podían evitar sacar fotos o filmar con sus celulares y esto arruinaba la filmación.
El trabajo de los extras se ve fácil pero se necesita mucha dedicación porque pueden llegar a estar horas en el set de filmación hasta que el director esté satisfecho.

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