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La Edad de Oro en Hollywood

Edad de Oro de Hollywood.
En la década de 1930, Hollywood era uno de los negocios más prominentes en Estados Unidos, y la mayoría de la gente asistía a ver películas al menos una vez a la semana. Con la aparición de una mejor tecnología a nivel sonido y fotografía, la industria fue capaz de buscar nuevas direcciones creativas, entrando en una “Edad de Oro”, tanto en la producción y la exploración. Aunque se veía parcialmente condicionada por la censura imperante en ese entonces, la industria cinematográfica atrajo audiencias con narrativas fuertes que involucraban a personajes románticos que luchaban por superar grandes obstáculos. Los productos de la Edad de Oro incluyen una larga lista de lo que hoy se consideran como clásicos indiscutidos: El mago de Oz, Lo que el viento se llevó, La diligencia, Casablanca, Qué bello es vivir, King Kong, El ciudadano, Una Eva y dos Adanes, Cantando bajo la lluvia, Vacaciones en Roma, y muchos más.
Muchos críticos dicen que 1939 fue el año que marca la trascendencia de esta época, con los estrenos de El mago de Oz y Lo que el viento se llevó, las dos mejores postales de esta era dorada.
Pero las películas de Hollywood no eran sólo entretenimiento y mitos sureños para niños, en la Edad de Oro, Hollywood comienza a adquirir cierta conciencia social, que se traduce en 3 de las películas más relevantes de la época:
El Ciudadano -> la película más discutida y aclamada de la Edad de Oro, votada como el film más influyente del siglo XX por el American Film Institute, fue producido y dirigido para RKO Pictures en 1941 por Orson Wells, un descarado y volátil director de radio y teatro famoso por asustar a los oyentes de radio estadounidenses con su “Guerra de los mundos “de 1938. Wells nunca antes había producido o dirigido una película en su vida, pero lanzó todo su genio a realizarla. El ciudadano Kane trata sobre la búsqueda de la identidad de un magnate de los medios de comunicación que usó su riqueza familiar para construir un poderoso imperio, patrocinar a su amante y aplastar a sus oponentes. La película estaba destinada a ser una parodia mordaz de la vida de William Randolph Hearst, un poderoso editor de diarios que de hecho utilizó sus periódicos para promover a su amante y aplastar a sus oponentes. Hearst vio la película como un ataque frontal a su reputación, e hizo todo lo que estaba a su alcance para arruinar el nuevo emprendimiento de Wells. RKO “retiró” la película de las salas después de unas semanas, y tanto Wells como Hearst terminaron perdiendo, según lo cuenta un excelente documental, La batalla por El Ciudadano.
Casablanca.
Una de las películas de temática social icónicas de Warner en la Era Dorada fue Casablanca, lanzada en 1942. En ella, los soldados nazis están cantando en un bar, celebrando su ocupación del norte de África francés. Los ciudadanos franceses responden con la misma moneda. La película recordó a la audiencia estadounidense que algunos franceses se resistían a la ocupación nazi incluso si, de hecho, algunos de los “franceses de Vichy” disparaban contra soldados estadounidenses y británicos en las playas del norte de África en el momento en que se estrenó la película.
Viñas de la ira.
Otra película de la Edad de Oro que merece una mención especial es The Grapes of Wrath, filmada en 1940, protagonizada por Henry Fonda como agricultor que lleva a su familia desde el “cuenco de polvo”de Oklahoma (la más grande sequía documentada en la región) a la tierra prometida de California. Basada en la novela de John Steinbeck, la película utilizó un estilo de cinematografía basado estrechamente en la fotografía de la época de la Depresión de Dorothea Lange, especialmente su serie “Madre Migrante”. Incluso los pocos críticos que se burlaban del mensaje político de la era de la Depresión admitían que la película trascendía las cuestiones sociales de la época con una historia humana duradera.

Misión del Instituto y del Festival Sundance

El Instituto Sundance es una organización sin fines de lucro dedicada al descubrimiento y desarrollo de artistas y audiencias independientes. A través de sus programas, el Instituto busca descubrir, apoyar e inspirar a artistas independientes de cine y teatro de los Estados Unidos y de todo el mundo, e introducir al público a sus trabajos.
Basados en la idea de que una historia impulsada por una voz individual y auténtica puede despertar nuevas ideas con el poder de deleitar y entretener, empujar fronteras creativas, despertar nuevos niveles de empatía y comprensión, e incluso conducir al cambio social, apoyan a narradores independientes y fomentan y promueven el impacto de su trabajo en todo el mundo.
Curador y pionero en mostrar historias independientes para el escenario y la pantalla, el Instituto Sundance proporciona y preserva el espacio para los artistas en el cine, teatro, escritura creativa de guiones y medios digitales para permitirles seguir creando y prosperar tanto profesional como artísticamente.
Robert Redford fundó el Instituto en 1981 en pos de fomentar la independencia y la toma de riesgos en las nuevas voces del cine estadounidense. Ese año, diez cineastas emergentes fueron invitados a Sundance Resort en las montañas de Utah, donde trabajaron con escritores, directores y actores para desarrollar sus proyectos originales independientes.
Hoy en día, nuestro personal de 170 empleados trabaja en oficinas en Park City, Los Ángeles y Nueva York para proporcionar 26 laboratorios residenciales, subvenciones de más de $ 3 millones anuales y mentorías que apoyan a más de 1. 000 artistas cada año. Cada enero, el Festival de Cine de Sundance introduce una audiencia global a un trabajo innovador y al talento emergente en el cine independiente. Más de 90 programas públicos conectan a artistas con audiencias para presentar voces originales, inspirar nuevas ideas y crear lazos alrededor de historias independientes. Celebrando de la independencia, la creatividad y el correr riesgos, el Festival de Cine de Sundance Unidos juega un papel vital en la identificación de nuevos talentos internacionales y su conexión con el público y la industria en los Estados Unidos.

Los primeros años del cine

De las muchas personas que trabajaron para desarrollar películas a finales de 1800, las más exitosas fueron las asociaciones entre Thomas Edison y William Dickson en América y los Hermanos Louis y Auguste Lumiére en Francia. Sus experimentos, estimulados por el trabajo de captura de movimiento del fotógrafo Eaedward Muybridge y Etienne Marey, proporcionaron la base para la fotografía y la presentación de imágenes en movimiento, y la base de sus técnicas todavía se pueden apreciar en la captura y proyección de películas en la actualidad. En el Reino Unido, el fotógrafo Birt Acres se asoció con el ingeniero eléctrico Robert Paul y juntos desarrollaron su propia cámara de cine para crear películas para su uso con copias del Kinetoscopio de Edison. Acres y la colaboración de Paul condujeron a la producción de la primera película británica exitosa – ‘Incident at Clovelly Cottage’ en marzo de 1895. Con el avance de la tecnología, surgieron los cineastas, con Cecil Hepworth y Edwin Porter liderando el camino. Hepworth produjo tales clásicos del cine temprano como ‘Qué se siente ser atropellado’ y ‘Rescatado por Rover’ y Porter dirigió ‘El gran robo’ entre muchos otros. En Francia, Georges Méliés surgió de detrás de las bambalinas y comenzó a hacer películas combinando la técnica cinematográfica con los efectos espectaculares que se pueden obtener desde el teatro. El trabajo de Méliés condujo al uso de algunos de los primeros “efectos especiales” en el cine en películas como “Un viaje a la luna”.
Los inventos y descubrimientos realizados durante este período temprano en la historia del cine moldearon las técnicas que se han utilizado en la realización cinematográfica desde hace más de 100 años. Los primeros experimentos con juguetes ópticos como el Fenaquistiscopio y el Zoótropo demostraron que las imágenes en movimiento podrían generarse a partir de una serie de imágenes estáticas.
A medida que estos principios fueron desarrollados, estas imágenes animadas se proyectaron utilizando dispositivos como el Praxinoscopio de Reynaud, patentado en 1877.
La aplicación de los principios fotográficos y el lanzamiento del celuloide de la calidad fotográfica vieron a Thomas Edison y Guillermo Dickson desarrollar su propio dispositivo del cuadro móvil – el Kinetoscopio, un dispositivo que invitó a espectadores a mirar en un agujero en la tapa de un gabinete de madera grande y experimentar verdaderas imágenes en movimiento.
Los Lumiére en Francia, inspirado en el Kinetoscopio de Edison, se dedicaron a desarrollar su propio dispositivo de imagen en movimiento – el Cinématographe, un dispositivo de “toma de imágenes” que se doblaba como dispositivo de proyección cuando la luz se dirigía a la parte posterior de la cámara, fuera de la lente.
Otros dispositivos fueron desarrollados, notablemente el Mutoscopio, y el Vitascopio, desarrollado por Thomas Armat y Charles Jenkins, que empleaba principios similares como el Kinetoscopio de Edison, pero con el beneficio añadido de poder proyectar las imágenes en movimiento.

10 curiosidades de las películas más taquilleras

A los amantes del cine siempre nos gusta conocer un poco más sobre las películas que vemos en el cine o en la pantalla chica. A continuación expondré 10 curiosidades sobre películas de animación, de superhéroes y de acción amadas por los espectadores.
1. Por un lado, desde que Disney se apoderó de los derechos de algunas películas de Marvel, es la productora que lidera las taquillas hace dos décadas. Otra curiosidad relacionada a Marvel es que, debido al aniversario número 75 Capitán América, se fabricará una estatua de él para colocar en el centro de Nueva York.
2. El protagonista de las primera películas de “Spiderman”, Tobey Maguire, sufría de una severa escoliosis pero lo ocultó para poder filmar él mismo las escenas de alto riesgo.
3. A Jennifer Lawrence, para su papel de Mystic en “X-men”, le llenaron todo el cuerpo con una pintura permanente y tardó días en poder sacarla por completo.
4. Por otro lado existen algunas curiosidades sobre películas animadas como “Toy Story”, en esta película el dinosaurio llamado Rexno existía en un principio hasta que los productores decidieron agregarlo como referencia a “Jurassic Park” ya que era una película muy famosa en ese momento.
5. En todas las películas de Disney se pueden ver, detrás de los personajes o en lugares escondidos, la cara de Mickey Mouse por todos lados.
6. Con respecto a las películas de acción, “Rocky” fue la primera película que protagonizó Silverter Stallone y que lo llevó a ser uno de los actores más conocidos de Hollywood. Este fue el responsable del guion y la dirección de la película, lo único que necesitaba era un actor que se ajustara al papel; al no encontrar a ninguno adecuado, decidió ser el protagonista.
7. La mayoría de las escenas en las películas de “Rápido y furiosos” y de “Batman” son de alto riesgo, tal es el caso que varios camarógrafos resultaron heridos en la filmación.
8. En escena de guerra de la película “Troya” solo seis actores eran de carne y hueso ya que estos luego se duplicaron mediante técnicas de edición.
9. En la escena que transcurre en una ducha en “Psicosis” se utilizó una mezcla de chocolate con agua para simular la sangre.
10. Michelle Rodriguez tuvo que obtener la licencia de conducir para la saga de “Rápidos y furiosos”.
Estas son algunas curiosidades expuestas por directores, guionistas, productores, y hasta los propios actores ya que saben que los espectadores disfrutan conociendo más sobre sus películas favoritas.

El cinematógrafo

Fue el padre de Louis y Auguste Lumiere, Antoine, quien despertó el interés a sus hijos después de ver el Kinetoscopio de Edison (cuyo mecanismo era accionado por un motor eléctrico, uvo su primer prototipo hacia el final del verano de 1892 y estaba conformado por un armario de madera vertical de cuatro pies de alto con una mirilla en la parte superior. Las lentes de aumento en la mirilla ampliaban la película que estaba dispuesta alrededor de una serie de carretes).
Con la Fábrica Lumiére de soporte técnico, ya que fabricaban artículos fotográficos, los hermanos se pusieron a trabajar diseñando una cámara y un proyector. Los primeros experimentos llevados a cabo por los Hermanos Lumiére se basaron en el mecanismo intermitente utilizado en las máquinas de coser.
El 13 de febrero de 1895, Louis y Auguste patentaron el Cinématographe (Cinematógrafo en su versión castellanizada) a su nombre.
El Cinematógrafo combinó una cámara para grabar el movimiento, una impresora y, al conectarse a una linterna o fuente de luz, un proyector. Aproximadamente del mismo tamaño que una cámara fotográfica normal de mano, el Cinematógrafo difería del Kinetoscopio de muchas maneras, especialmente por su tamaño y peso.
El Kinetograph, la cámara de Edison, fue confinado, en general, al Estudio “Black Maria” en los terrenos del Laboratorio de Edison, en contraste con él, el Cinematógrafo no tenía tales limitaciones y podía ser utilizado en casi cualquier lugar gracias a su diseño ligero. Además, a favor del Cinematógrafo se encontraba su método de presentación y la combinación de todos los elementos básicos necesarios para grabar y proyectar imágenes en movimiento en una sola caja.
Al igual que Edison, los Lumiéres utilizaron película de 35 mm, pero a diferencia de ellos, Edison optó por una velocidad de 46 fps en comparación con los 66 fps elegidos por los hermanos.
Además, los Lumiéres fueron rápidos para patentar su Cinematógrafo en el extranjero (el hecho de que Edison no lo hiciera en Gran Bretaña, por ejemplo, causó la proliferación de las copias hechas por Robert Paul). Para promover su nueva invención Auguste Lumiere planeó un programa de publicidad inteligente de varias proyecciones privadas que generaron mucho interés público y especulación antes de su inauguración oficial el 28 de diciembre de 1895 en el Grand Café en el bulevar de París Des Capucines.

El lugar donde sucede la magia del cine

Los directores y los actores necesitan uno o varios lugares donde realizar las escenas, estos son los llamados set de filmación. El set, también llamado en español “plató”, puede ser un lugar real como una casa o una confitería, un lugar formado por un conjunto de elementos distribuidos por todo el espacio disponible o simplemente una pantalla verde colocada detrás de los actores.
Los lugares más comunes para filmar una película o una serie de televisión suelen ser casas espaciosas, restaurantes, locales e, incluso, la calle. Por otro lado, el director tiene la opción de formar él mismo el set, incorporando elementos y paredes de cartón en un espacio cerrado y amplio. Finalmente, existe la pantalla verde, una nueva técnica utilizada por muchos directores en estos últimos años. En este caso, el actor solo debe pararse delante de una cámara y decir sus líneas, posteriormente, se desarrollan efectos especiales con la ayuda de una computadora.
La pantalla verde es el método más utilizado ya que es el más barato; el director no debe gastar dinero y tiempo en colocar los elementos donde los desea o arreglar una escena orientando a los protagonistas y a los actores secundarios. Solo necesita la tecnología adecuada y un grupo de expertos dispuestos a estar horas creando y digitalizando las escenas.
En un set de filmación se encuentran los actores frente a las cámaras, que pueden constar de un camarógrafo o no. En muchas películas de acción o de alto riesgo, se utilizan cámaras sostenidas por una plataforma móvil para poder seguir de una forma más rápida las acciones de los protagonistas, sin poner en peligro la vida del camarógrafo. Asimismo, se encuentra el director con una pequeña pantalla delante que le permite ver cómo su trabajo está tomando forma. Este es quien da las indicaciones a los actores: dónde deben pararse en el set y cómo deben llevar a cabo sus líneas. También está la presencia de maquilladores y vestuaristas que se encargan de retocar la apariencia de los actores entre las escenas.
En la mayoría de las películas se incluye una pequeña parte que muestra el proceso de creación de la película. Los directores dejan que los espectadores vean cómo se produjo la misma, y estos disfrutan del material extra presentado.

Las 10 productoras cinemátograficas más grandes de Hollywood

Allá lejos y hace tiempo, en la llamada Edad de Oro de Hollywood, desde finales de la década de 1920 hasta mediados de la década de 1940, la industria cinematográfica operaba bajo el sistema de estudios integrales. Esto significa que un puñado de compañías controlaba prácticamente todo el proceso de producción cinematográfica, desde la producción hasta la distribución y la exhibición. Había entonces ocho estudios, cinco de ellos con conglomerados de filmación totalmente integrados y que contaban con estudios de producción, un equipo de personas creativas bajo contratos exclusivos a largo plazo, una división de distribución y una amplia red de cadenas de cine. Estos cinco estudios eran 20th Century Fox, Loew’s Incorporated / MGM, Paramount Pictures, RKO Radio Pictures y Warner Bros. Había otras tres compañías que eran consideradas como grandes estudios, a saber Universal Pictures, Columbia Pictures y United Artists, aunque poseían cadenas de cines sustancialmente más pequeñas.
Estos llegaron a su fin en 1948, cuando la Corte Suprema de Justicia Estadounidense promulgó diversas leyes antifideicomiso y antimonopolio. De esta manera, hubo que separar el proceso de producción de la distribución y la exposición.
Sin embargo, el término sistema de estudio se está utilizando nuevamente como referencia a las iniciativas y actividades de las diferentes empresas. Las compañías de producción financian la realización de películas y gestionan los recursos y mano de obra necesaria para volver realidad todos los proyectos.
De los diez mayores estudios de Hollywood al día de hoy, los seis primeros se consideran los estudios principales, mientras que los cuatro últimos, junto con Relativity Media y Dreamworks Animation, son considerados como “mini-majors” que compiten directamente con los mayores, aunque también a veces trabajan juntos, recibiendo ayuda con la distribución tanto en el mercado local como en el extranjero.
Estos 10 estudios principales son: Dreamworks, MGM, The Weinstein Company, Lions Gate Entertainment, Viacom, News Corporation, Comcast/General Electric, The Walt Disney, Time Warner, Sony. De estos estudios surgen las películas más grandes, más vistas y con mayores recaudaciones de todo el mundo.

Toda película necesita algún tipo de extra

Todas las películas tienen algún extra a lo largo de la cinta, algunas más que otras. Los extras son personas que aparecen detrás de los actores principales y, por lo general, no tienen ningún diálogo con ellos o tienen muy pocas líneas marcadas en el guion. Muchos actores de Hollywood que hoy son famosos comenzaron siendo extras en alguna película, hasta que fueron ascendiendo y se convirtieron en grandes actores. Matt Damon, Sylvester Stallone y Clint Eastwood son algunos actores que comenzaron como extras y ahora son iconos de Hollywood.
En algunos casos estos extras también se los denomina actores secundarios. Estos tipos de actores suelen abundar en escenas de guerras, bares, peleas callejeras, viajes, ceremonias, etc.
Hay cuatro tipos de extras:
Normales: son los personajes que se encuentran en el fondo del plano y no tienen diálogos con los actores.
Fijos: son personajes que aparecen permanentemente detrás de los actores a lo largo de la película.
Especiales: son personajes que aparecen en escenas importantes y tienen algún tipo de interacción con los actores principales.
Con frases: son personajes que tienen líneas largas e importantes o tienen algún tipo de interacción con los protagonistas.
Este tipo de trabajos no es estable, algunas cintas pueden querer determinado actor como extra y otras no, tampoco pueden vivir de ese trabajo ya que el sueldo no es suficiente. Los extras que ganan más dinero son los que tienen alguna frase o interactúan con los protagonistas.
Los directores de cine no buscan que los extras tengan muchas características determinadas como los protagonistas, sino que buscan personas que encajen con el perfil que necesitan.
En algunas ocasiones, los extras son personas que simplemente pasan por el set de filmación, como en escenas que transcurren en la calle, pero en su mayoría suelen ser personas convocadas por directores y productores. Las personas a cargo de las películas ya no suelen filmar personas de forma espontánea en el set ya que estas no podían evitar sacar fotos o filmar con sus celulares y esto arruinaba la filmación.
El trabajo de los extras se ve fácil pero se necesita mucha dedicación porque pueden llegar a estar horas en el set de filmación hasta que el director esté satisfecho.

Cine Noir: sus etapas y evolución

Se llama cine Noir a las películas en blanco y negro surgidas durante la Segunda Guerra Mundial. Los efectos de estas cintas no es lo único negro, sino que también la atmósfera suele ser oscura; la trama transcurre en calles y callejones o grandes casas que pertenecen a épocas antiguas. Los personajes tienen un aire obsesivo, detectivesco y desilusionado. La atmósfera pesimista puede tener relación con la época en que surge este tipo de cine, influenciado por la guerra. Esto refleja el estado de las personas en ese momento y llega a conmover al espectador. Este tipo de cine se desarrolló en su mayoría en Estados Unidos, Gran Bretaña, Francia, París y Alemania.
Por lo general, estas películas son producto de una novela cuya trama es policial y el personaje principal se encuentra ante un crimen que debe resolver.
Las películas más célebres pertenecientes al cine Noir son “El tercer hombre”, “Atraco perfecto”, “Retorno al pasado”, “Noche en la ciudad” y “La mujer del cuadro”.
Posteriormente, surgió el cine Neo-Noir que posee un estilo parecido al Noir: conserva el uso de elementos en blanco y negro con tramas oscuras y policiales, pero se relatan temas relacionados con la actualidad. Entre las películas del cine Neo-Noir se encuentran “Gánster americano”, “Fargo”, “carretera perdida”, “Memento”, “Romeo sangra”, entre otras.
Actualmente, el cine Noir sigue estando presente; un ejemplo claro es la saga de películas “Ciudad del pecado”, comenzada en 2005. La mayor parte de la cinta transcurre en blanco y negro a excepción de algunas partes como los labios de un personaje o la ropa de otro que aparecen en color. “El espíritu” y “Grindhouse” también se consideran películas pertenecientes a la forma actual del cine Noir ya que cuentan con varias similitudes con las películas de los 90 como el tipo de trama y los efectos. Aunque estas dos últimas cintas fueron realizadas con colores y no en blanco y negro, tienen una atmósfera oscura y los colores no son tan vivos como en la mayoría de las películas que se reproducen en el cine hoy en día.
Como se explicó previamente, el cine Noir surgió en la década de los 90, tomó una nueva forma en el cine Neo-Noir y en la actualidad está evolucionando; dejando de lado los elementos típicos de la época en que surgió, pero manteniendo otros factores que atraen al público de hoy en día.

El festival internacional de cine de Chicago

El Festival Internacional de Cine de Chicago se inició en 1964 a través de la iniciativa del cineasta y artista gráfico Michael Kutza que buscaba ofrecer una alternativa al circuito de las películas comerciales de Hollywood que dominaban los teatros de la ciudad. Buscando lo mejor del cine internacional, el Festival le ha abierto las puertas a un mundo de películas que previamente no había estado disponible en Chicago. Además, en más de la mitad de las proyecciones de cada año, los cinéfilos tienen la rara y emocionante oportunidad de conocer a directores, productores, escritores y miembros del reparto que se encuentren presentando sus películas en el festival y se celebran sesiones de discusión después de las proyecciones.
El Festival tiene una rica historia de haber descubierto cientos de directores innovadores como Martin Scorsese, John Carpenter, Taylor Hackford, Susan Seidelman, Víctor Núñez, Wim Wenders, Rainer Werner Fassbinder, Bertrand Tavernier, Peter Weir, Dariush Mehrjui, Mike Leigh, Alan Parker, Michael Apted, Peter Greenaway, Vincent Ward, Krzysztof Kieslowski, Krzysztof Zanussi, Dusan Makavejev, Víctor Erice, Jan Troell y María Louisa Bemberg.
La organización presentadora del Festival Internacional de Cine de Chicago, Cinema / Chicago, es un organismo cultural y educativo sin fines de lucro dedicado a fomentar una mejor comunicación entre personas de diversas culturas a través del arte del cine y la imagen en movimiento. La finalidad es proporcionarles a a la diversa ciudadanía de Chicago el acceso al cine de clase mundial, con el objetivo de enriquecer el ambiente cultural de la ciudad presentando películas en contextos que fomentan la discusión y el debate.
Además del Festival de Cine, a través de su Programa de Educación y un servicio de membresía anual, esta organización aumenta los activos culturales de la ciudad de Chicago exhibiendo películas de todo el mundo, buscando promover una comprensión más profunda de una gama diversa de culturas, contribuyendo así a la identidad de Chicago y su status de ciudad internacional.
La quincuagésima segunda edición del festival tuvo lugar del trece al veintisiete de octubre del año 2016, siendo esta la última realizada a la fecha.